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Detrás de la máscara: Grand Chamaco

Art & Design

Detrás de la máscara: Grand Chamaco

Texto por Julio Vázquez — 27.Apr.2017

Originario de Los Ramones, Nuevo León, Grand Chamaco nace en 1982. Luego de que su desarrollo artístico estuviera envuelto por la influencia directa de su abuelo con el dibujo, la tutoría del escritor Ignacio Solares, viajes por el mundo buscando inspiración, e incluso fundando una escuela de arte (que lamentablemente no funcionó) en su ciudad natal, Grand Chamaco se ha formado como uno de los pilares creativos más importantes dentro de la industria creativa mexicana, yo me atrevería a decir que a nivel mundial.

Seguramente ya te has encontrado con su trabajo por Internet: personajes coloridos, líneas gruesas, modelado 3D, narices alargadas. Toma inspiración prácticamente de donde sea, siempre teniendo como base la cultura mexicana. Esto se ha visto reflejado también en gran número de colaboraciones con marcas como Adobe, Telcel, Nike, Nickelodeon, Cartoon Network, Sprite y ahora el Bud Light Hellow Festival, donde y gracias a la revelación de su arte, decidimos platicar con el misterioso y elusivo artista gráfico.

Por lo general, los artistas e ilustradores tienden a mencionar que su camino empezó dibujando desde niños. A ti en qué momento te llegó esa cuestión de tomar el camino creativo, ¿cómo surge o qué pasó?

Alguna vez escuché que todos sabemos dibujar y a todos nos gusta hacerlo desde que somos niños, es como jugar y expresarnos. Pero, conforme vamos creciendo, nos da pena dibujar por alguna razón… es muy común preguntarle a alguien que te haga el dibujo de un gato y esta persona te conteste que no sabe dibujar por pena a hacer algo “feo”.

Pero volviendo al tema, también empecé desde niño. Yo vengo de un pueblo muy chiquito, en él sólo se podían ver tres canales de TV; uno de ellos era de caricaturas y la programación empezaba a las cuatro de la tarde, me gustaba mucho dibujar los personajes que veía en los programas y por alguna razón, mis dibujos les gustaban a las personas que conocía. Me hice de “fama” en mi pueblo (el típico niño que sabe dibujar en la secundaria) y dibujaba mucho a mis amigos en situaciones fuera de la realidad.

Creo que todo esto me ayudó a empujar este hobby y transformarlo en una profesión.

Empezaste a ser reconocido en Twitter, ilustrando tweets. ¿Cuándo optas por empezar a explotar esa red social, por qué Twitter y no alguna otra?

Sí, creo que el proyecto empezó hace ocho años. Yo seguía a muchos tuitstars que escribían cosas cómicas que me hacían reír. Yo quería empezar a escribir este tipo de cosas, pero la verdad es que soy malísimo para ello, también lo veía como un juego. Al ver que no podía estar a la altura de las cosas que me gustaba leer, se me ocurrió que podía aportar más dibujando las frases que me gustaban, y así empezó el proyecto.

¿Recuerdas lo primero que dibujaste y publicaste?

Fueron tres tweets de tres diferentes tuiteros.

1.- “Me pones los nervios de puta” de @vayalocoura.
2.- “La tele letal” de @MarcoColin.
3.- “La nalgada es mi marca registrada favorita” de @Tumeromole

¿En qué momento encontraste tu estilo? ¿Cuándo fue el “esto soy yo, con esto me voy a quedar y desarrollar”? ¿Y cuál es la historia detrás de tu elemento central, el “frijol”?

Siempre me gustó imitar las caricaturas que veía de niño, esto me ayudó mucho a formar una técnica de dibujo, pero me faltaba el estilo, algo con lo que pudiera diferenciarme de los demás. Lo único que estaba seguro es que no quería batallar y forzarme a tener que dibujar cosas que no me gustaran por completo.

No quería imitar estilos y tendencias de otros países, estaba bien seguro que quería hacer algo con las cosas que tengo cerca y con las que viví… Me da un poco de pena ver que muchos artistas o diseñadores se esfuerzan por imitar tendencias ajenas a sus culturas. No digo que esto esté mal, pero creo que es más fácil ver todas las cosas que tenemos y a las cuales les podemos sacar provecho.

Estaba convencido que quería reflejar un poco la cultura mexicana (colores, texturas, etc) y sobre todo temas del norte del país (cultura Tex-Mex, música grupera, etc). Lo primero que tenía que hacer es darle forma a mis personajes, tomé de base el frijol y empecé a jugar con composiciones y armar el estilo. Si ven mis primeros dibujos, se nota que las forma de los ojos, la nariz y la anatomía tienen esta forma.

¿Qué ha sido lo más difícil que has vivido dentro del mundo de la ilustración, algún punto de quiebre? ¿Y lo mejor que te ha dado este trabajo?

No me gusta hablar en público, tengo un pánico escénico bien cabrón. Siempre estuve muy cómodo trabajando en mi casa y compartiendo mis proyectos pero cuando me empezaron a invitar para participar como speaker en festivales de diseño, me dio un miedo terrible. Decidí hacerlo porque era algo que tenía que suceder, pero sufro muchísimo cada vez que tengo que hablar en público.

Lo mejor que me ha dado este trabajo es que nunca lo consideré como tal. Lo veo como un hobby que puedo hacer en mis ratos libres.

¿Podemos saber la historia detrás de tu máscara?

Tengo un problema con los artistas “rockstars” que promueven su trabajo a través de una actitud, me caga el show-off que hay en la industria. Creo que esto me llevó a decidir no mostrar la cara y tratar de mi trabajo sea el centro de atención, no la persona que está detrás de la computadora.

Dentro de todos los proyectos, trabajos y colaboraciones que has hecho, ¿cuáles han sido tus tres favoritos, y cuál ha sido el más complicado de realizar?

Casi no tengo cosas complicadas, siempre trato de tomar los proyectos que me gustan y que se ven fáciles de ejecutar, no me gusta trabajar en cosas complicadas que se me puedan salir de las manos.

Creo que los tres proyectos que me gustan más son… El proyecto de Se Dibujan Tuits por todas las puertas que me abrió. El póster de Chilanga Banda que hice para la expo de “Seguiremos Siendo” en Monterrey, me gusta mucho porque fue la primera ilustración formal que hice en 3D. Y casi todos los proyectos que he hecho con Nickelodeon, la gente que trabaja ahí son súper buena onda, y siempre respetan mucho el estilo y las ideas de los artistas.

¿Cómo fue el proceso creativo para la identidad gráfica del Hellow Festival, en qué te inspiraste o cuál es la idea base?

La banda de Brands & People me platicó que había la oportunidad de colaborar y hacer la imagen del Hellow. Esto fue al año pasado, y necesitaban una propuesta medio express para poder presentarla y ver si pasaba el estilo. Me gustaba la idea que era un festival de música, que es en mi ciudad y que se tenía que resolver rápido. Hice una primer propuesta de estilo y composición que gustó.

Pasaron los meses y le fui perdiendo amor a los personajes, creo que el estilo estaba simplón y la composición no tenía mucho significado. Aproveché una junta que hicieron en marzo de este año para cambiar varias cosas. Tenía mucho tiempo que quería probar con muchas texturas y colores diferentes pero no había llegado el momento de sacarlo hasta que llegó este proyecto.

La idea era crear personajes basados perfiles de personas que son parte del festival y de alguna manera poder integrarlos con los artistas. Algo que veo en los festivales de música es que hacer el lineup es un dolor de cabeza; todos los nombres, las diferentes jerarquías, nombres enormes de bandas, todo hace que el diseño se vea un poco feo y saturado. Quise aprovechar esta parte y hacerla todavía más complicada pero que se viera “bien”… usar una familia tipográfica con muchos pesos, muchos colores, estirar las letras, salir del canvas, en fin, que no hubiera reglas de layout y no restringir nada, que cada material, póster, cartelera, banner, fuera diferente y tuviera su propio estilo.

Y ligando un poco a la pregunta anterior, ¿escuchas música mientras trabajas?, ¿tienes algo que nos pudieras recomendar, algún tesoro musical que guardes?

Algo con lo que me he clavado mucho estos últimos meses es Battles. Esta banda es súper buena para escuchar mientras estás trabajando.

¿Algún artista, ilustrador o pintor con el que te gustaría colaborar?

Está bien difícil coincidir con alguien. He pasado por muchos proyectos frustrados de este tipo donde al principio empieza súper chingón y después no avanzan. Pero este año voy con la banda de Pictoline a pasar una semana colaborando con ellos, es algo que me emociona bastante porque me gusta mucho el trabajo que hacen y son súper chidos. Espero que todo salga bien.

El mejor anti-consejo que le puedas dar a alguien que esta comenzando a ilustrar:

Hacer pocas cosas y no compartirlas. Creo que la clave está en hacer un chingo y compartir todo lo que se pueda.

La mejor app para poder dibujar sobre fotografías:

No sé si sea la mejor, pero es la que usé desde hace muchos años, se llama Brushes y está bien sencilla de usar.

Finalmente, ¿Qué más podemos esperar del Grand Chamaco, no sé, participar en alguna película animada, algunos Art Toys (me encantaría poder tener uno de la Catrina o del Conquistador)?

Empezar a animar personajes, estoy muy lejos de lograrlo bien pero es en lo que quiero avanzar en este momento. También estoy trabajando con una marca en España de Art Toys, el proceso es muy largo pero el tema está bien chingón… cuando me dejen compartir cosas les aviso.

Puedes ver más del trabajo de Grand Chamaco en su Behance, Twitter, Instagram, pero sobretodo, en todo el material gráfico de Hellow Festival 2017.

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